Советы по краскам Художник — художнику плохого не посоветует


Советы по краскам: Художник — художнику плохого не посоветует

И картины целы и художники сыты.

Мастихин в мешке не утаишь.

Поменял карандаш на масло.

Кто не рисует, тот не пьет шампанского.

Лучше рисуешь — больше нарисуешь.

Хороша кисточка к палитре.

Война войной, а живопись по распорядку.

Не пугай художника картиной.

Не так страшна живопись, как ее малюют.

Не так прост, как себя малюешь.

У художника глаза велики.

Художника краски кормят.

Кистями добывают золото, а золотом кисти.

Звал гостей, да накупил кистей.

Жирный художник мышей не ловит.

С жиру собака бесится, а художник — дурит.

Меньше жмурься, так больше увидишь.

Каждая дрянь из себя художника корчит.

Домашний художник лучше заморской коровы.

Картину нарисовать — не поле перейти.

Работ полон рот.

Красок столько, что куры не клюют.

По картинам и честь.

По неволе художник бежит, когда работать не на чем.

Не ищи художника в бору — он на пиру.

Знать художника по кистям, знать и по ногтям.

Нет плохих картин, есть плохие искусствоведы.

Художнику краска — мать родная.

Доброе слово и художнику приятно.

Держи карандаш высоко — пойдешь далеко.

За боевую кисточку — держись зубами.

Мой кисти с молоду.

Художник художника видит издалека.

Сколько художника ни корми — все равно рисовать хочет.

Художник дурака видит издалека.

От него как от козла — ни живописи, ни графики.

Как художник в масле катается.

Не все краска, что блестит.

У рака мощь в клешне, а у художника — в бороде.

Художник умрет, а имя останется.

Художнику без красок и богатство не мило.

Большой художник маленькую рыбку целиком глотает.

Мал художник, да дорог.

Одаренному художнику в зубы не смотрят.

Холсты крепки и кисти наши быстры.

Был бы холст, и художник найдется.

Маслом картину не испортишь.

И художник помнит: кто бьет, а кто кормит.

Не плюй в картину — пригодится.

Холст все стерпит.

Не все то картина, что в музее висит.

Семь раз по палитре, один раз по холсту.

Художник дизайнера не разумеет.

Не пеняй на кисти, коли картина не удалась.

Плохому художнику и борода мешает.

Плохой картины смотреть не хочется,
а хорошей взять негде.

ПРИМЕТЫ, из собрания художника Евгения Липихина
_ _ _ _ _
Встретить художника с пустой палитрой — не к добру.

Пузыри на картине — быть дождю.

Холст вспучился — к снегопаду,
а винтом пошел — к засухе.

Если краска из тюбика выстреливает, то быть скандалу.

Художники — афоризмы, высказывания, цитаты

Ни один художник не будет заниматься болтовней во время работы.

Прямая обязанность художника — показывать, а не доказывать.

Всё в природе, растение, листья, травинки должны быть субъектами бесконечной и плодотворной медитации для художника, облака, плывущие по небу, имеют вид, и форма даёт ему радость, помогает ему думать.

Если вы испытываете недостаток в том чувстве, вы не художник и никогда не станете художником, и это пустая трата времени, чтобы развлечь возможность, это ремесло, приобретённое посредством исследования, наблюдения, и практики, может улучшиться благодаря непрерывной работе, но инстинкт искусства является врождённым.

Может быть, проще убедить кое-кого из торговцев и любителей объединиться для покупки картин импрессионистов, чем объединить самих художников и уговорить их делить выручку от продажи картин?

Натура всегда начинает с того, что сопротивляется художнику, но тот, кто берётся за дело всерьёз, не даст этому сопротивлению сбить его с пути, напротив, оно лишь побуждает его бороться за победу, в сущности, природа и настоящий художник едины.

Но я не придаю никакого значения моему личному успеху, процветанию, мне важно лишь, чтобы смелые начинания импрессионистов не оказались недолговечными, чтобы у художников были кров и хлеб насущный, и я считаю, преступлением есть этот хлеб в одиночку, когда на ту же сумму могут прожить двое.

Я по-прежнему считаю, что в области фигурной живописи может появиться много новых художников, и чем дольше я над всем этим раздумываю, тем более нахожу желательным, чтобы в такое трудное время, как наше, художники видели спасение в глубокой преданности высокому искусству.

Один молодой художник, пользуясь негодными приёмами своего учителя, нарисовал картину и показал её Рафаэлю. «Что вы думаете об этой картине?» — спросил он его. «Что вы скоро кое-чему научились бы, — ответил Рафаэль, — если бы вы ничего не знали».

Для меня, великий художник обязательно являет собой великий ум.

Иногда довольно прихоти какого-нибудь богатого и влиятельного человека, чтобы составить имя художнику, но эта прихоть часто рождается оттого, что её подготавливают исподволь, изо дня в день.

Каждый предмет имеет совершенно определённую форму, цвет и чёткий контур, цель художника их распознать.

Модели для нас, художников, это только типографские литеры, которые помогают нам выразить себя.

Посмотрите сами, на что художники дерзают сегодня и сравните с робостью, царившей десять лет назад.

Произведение искусства для того, кто умеет видеть, это зеркало, в котором отражается состояние души художника.

Бесплоден именно плохой вкус, для художника нет ничего вреднее плохого вкуса.

Для художника каждое прикосновение кисти к холсту, целая жизненная драма.

Художник думает рисунком.

Художник не тот, кто вдохновляется, а тот, кто вдохновляет.

Я извращенец, вуайерист, но для художника это совершенно нормально.

Я христианин и католик, но чтобы быть художником, ни того, ни другого не требуется.

Искусство это обман, художник становится таковым лишь в определённое время благодаря усилию воли, а видят предметы все люди одинаково.

Только тогда, когда он уже не знает, что он делает, вынуждает художника делать хорошие вещи.

С другой стороны, художник может многое сделать в области цветового конструирования, которое так мало изучено и так темно, и вряд ли восходит дальше, чем до начала импрессионизма.

Мы смотрели на него с уважением и восхищением, для нас он был великим художником и рисовальщиком.

Чтобы писать свет, художник обращается к краскам, цветок, женщина, бабочка, простые происшествия великой драмы цвета и света.

Итак, если мы приписываем художнику качества медиума, мы должны отказать ему в полной осознанности, в эстетическом плане, того, что он делает или того, почему он это делает, все его решения по поводу исполнения произведения остаются в области интуиции и не могут быть переведены в самоанализ.


Художник выполняет акт творения не в одиночку, так как зритель устанавливает контакт между произведением и внешним миром, дешифруя и интерпретируя его глубинные качества, и этим добавляет свой вклад в процесс творения, этот вклад ещё более очевиден, когда потомки произносят свой окончательный вердикт и реабилитируют забытых художников.

Пусть философы будут правыми, художникам достаточно быть правдивыми.

В наши дни художник не может обойтись одними чисто абстрактными формами.

Также и зритель, которого ведёт художник, приобретает всё большее знание абстрактного языка и, в конце концов, овладевает им.

Частично этим объясняется возникновение нашей симпатии, нашего понимания, нашего внутреннего сродства с примитивами, эти чистые художники так же, как и мы, стремились передавать в своих произведениях только внутренне-существенное, причём сам собою произошёл отказ от внешней случайности.

Эта невозможность и бесполезность в искусстве бесцельно копировать предмет, это стремление извлечь из предмета выразительное, являются исходными пунктами, от которых начинается дальнейший путь художника, от литературной окраски предмета к чисто художественным или живописным целям.

Кто хочет узнать обо мне как о художнике, должен внимательно изучать мои картины и пытаться узнать из них, кто я такой и что я хотел.

Я художник, который пишет изо дня в день, с утра до вечера, фигуры картины и пейзажи, реже портреты.

Высшая похвала художнику — это когда перед его произведением забываешь о похвалах.

Жаль, что мы не рисуем прямо глазами, как много пропадает на длинном пути от глаз через руку к кисти.

Вполне понятно, что при раздражении чувственного аппарата нервной системы живописец будет писать женщину, будет создавать её образ, если не сможет удовлетвориться натурою, голодный мечтает об хороших обедах или хлебе насущном, художник эту мечту изображает и как бы удовлетворяет себя.

До этой поры всегда художник шёл вслед за вещью, так и новый футуризм идёт за машиной современного бега.

И когда художник пишет, насаждает живопись, а грядой ему служит предмет, то он должен так посеять живопись, чтобы предмет затерялся, ибо из него вырастает видимая живописцем живопись.

И только трусливое сознание, и скудность творческих сил в художнике поддаются обману и устанавливают своё искусство на формах натуры, боясь лишиться фундамента, на котором основал своё искусство дикарь и академия.

Натура не является законом для нового художника, наоборот, законы натуры он растворяет в своей системе, создавая свою действительность.

О, наивный художник и учёный, как легко вас запутать, но выпутать очень трудно!

Они рассуждали, что до сих пор художники передавали предмет только с трёх сторон, пользуясь трёхмерным измерением, тогда как мы знаем, что предмет имеет шесть, пять, десять сторон, и, чтобы полнее его передать, как в действительности он есть, необходимо изобразить все его стороны.

Произведение в большей своей степени есть показатель всего настроения художника, и представляет собою ту или иную раздражённость неудовлетворённости в произведении, многие картины художников называем эротическими, переходящими в порнографию, где мы видим извращение чувственных удовлетворений.

Таким образом, все законы, установленные оптикой, основанной на физическом восприятии глазной системой явлений, могут, конечно, быть введены в знание художника, но пользоваться этими знаниями в своих творческих работах ему не придётся, эти знания для него будут абстрактны.

Художник может быть творцом тогда, когда формы его картин не имеют ничего общего с натурой.

Художник освободился от всех идей, образов и представлений и проистекающих от них предметов, такова философия супрематизма, выводящая искусство к самому себе.

Художнику дан дар для того, чтобы дать в жизнь свою долю творчества и увеличить бег гибкой жизни.

Каждая Леди должна знать:  Сонник – «Хор»

Для художника-творца нет ничего сложнее, чем нарисовать розу, ведь сначала ему нужно забыть обо всех розах, нарисованных раньше.

Значительность художника измеряется количеством новых знаков, которые он введёт в пластический язык.

Я полагаю, что для художника нет ничего труднее, чем писать розу, но создать свою розу он может, лишь забыв обо всех розах, написанных до него.

Советы по краскам: Художник — художнику плохого не посоветует

Помогите написать сжатое излоржение. Вот текст изложение только нужног сжать помогите уж.

Материал музыки – это звуки. Материал, из которого писатель слагает произведения, — слово. Материал, которым пользуется художник, — это краски.
Как и звуки краски могут быть и радостными, и печальными. Художник выдавливает их из тюбиков на палитру, и она вспыхивает всеми цветами радуги. Тут и лазурные тона весенней листвы, и нежно – розовый тон заката и глубокие краски вечерних сумерек, краски огненные, как само солнце, и спокойные иссиня — чёрные, как ночное море.
Но художник не бросает краски на холст беспорядочными пятнами. Постепенно из десятков мазков на холсте вырисовывается лицо, появляются предметы обстановки… Мы смотрим на картину что придаёт перед нашим взором и не видим ни холста, ни красок. Мы видим живую сцену или пейзаж. Нас волнует настроение, которое вложил в свою работу художник. Мы с удовольствием рассматриваем полотно, где разворачиваются события и переживаем их. В этом искусство живописца сродни работы писателя.
В одном только живопись не похожа ни на музыку, ни на книгу. Мелодия течет и изменяется непрерывно события, за которыми мы следим, читая книгу, следует одно за другим. А картина изображает только одно мгновение. Как будто долго и настойчиво выбирал художник самый замечательный момент жизни, который достоин увековечения. И художник словно приказал времени «Остановить мгновение!» И красками на холсте запечатлел всё, что увидел в этом неповторимом мгновении.

Советы по краскам: Художник — художнику плохого не посоветует

Дэвид Сикейрос, самый молодой из «большой тройки» мексиканских муларистов, был одним из первых художников, которые избегали кисти.
Он назвал ее, кисть, безотказно веками служившую живописцам, «орудием из волос и дерева». Сикейрос искал новые техники письма, отвечающие современной ему эпохе, и даже создал новаторскую экспериментальную мастерскую в Нью-Йорке в 1936 году.
Там собирались молодые художники, такие как Джексон Поллок, чтобы налить, разбрызгать, использовать аэрограф, в общем, создать новое, попробовать другие пути для искусства.
У них получилось.

Потом уже Хелен Франкенталер и Ив Клейн продолжали экспериментировать с нетрадиционными методами, расширяя лексику живописи, свободно включая капли, пятна, отпечатки тел и цифровой рисунок, и это лишь некоторые.
Вот шесть методов рисования без кисти. Это были инновационные инструменты и технологии.

В феврале 1956 года журнал Experimental Workshop- Time обозвал Поллока «Джек-капальщик» (Jack the Dripper).

Он самый знаменитый в своем стиле – разбрызгивания краски на холсте, но вряд ли первооткрыватель.

Японские художники-дзен-буддисты, например, экспериментировали с брызгами чернил еще в 15 веке, задолго до того, как Поллок создал свою первую живопись в середине 1940-х годов.

А точнее, случилось это в 1947году. Поллок изобретает новую технику, он начинает работать на холстах огромного размера, расстилая их прямо на полу, и разбрызгивает краску с кистей, не прикасаясь ими к поверхности.

Технология брызг и капель Поллока с его взрывоопасными результатами захватила интерес американской общественности, особенно после того, как фотограф и режиссер Ганс Намут опубликовал кадры с художником за работой в студии.

«. Влажный забрызганный холст застилал весь пол. Стояла полная тишина. Поллок посмотрел на работу. Затем неожиданно поднял банку и кисть и начал передвигаться вокруг холста. Как будто он вдруг понял, что работа не завершена. Его движения, медленные в начале, постепенно становились быстрее и все более похожими на танец, он швырял чёрную, белую и ржавую краски на холст. Он совершенно забыл о том, что Ли и я присутствуем при этом, казалось, что он не слышит щелчков затвора объектива. Я снимал все это время, пока он увлеченно работал, возможно прошло полчаса. Все это время Поллок не останавливался. Как только у него хватало сил? После он сказал: «Вот и все».

«. Моя живопись никак не связана с мольбертом. Я едва ли хоть раз натягивал холст на подрамник. Я предпочитаю прибить холст к стенке или полу. Я должен чувствовать сопротивление твердой поверхности. На полу легче всего. Я чувствую себя ближе к живописи, ее частью, я могу ходить вокруг нее, работать с четырёх сторон и буквально быть внутри нее. Я продолжаю отходить от обычных инструментов художника, таких, как мольберт, палитра и кисти. Я предпочитаю палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то ещё. Когда я внутри живописи, я не осознаю, что я делаю.

Помещая полотна на пол, Поллок брал металлические стержни, кухонные инструменты, полотенца и палочки, хотя эти инструменты редко касались полотна напрямую. «Не имеет большого значения, как наносится краска», — пояснил художник. «Техника — это всего лишь способ рассказать что-то людям».

Хелен Франкенталер за работой над большим холстом, 1969. Фото Эрнста Хааса.

В экспериментальной мастерской Сикейроса впервые увидел свет метод заливки краски непосредственно на холст. И завоевал себе сторонников.

Это техника «случайной живописи» — разлив разных цветов, наплывающих друг на друга, создающая неожиданные, вихревые узоры.

Франкенталер продвинула эту технику еще на шаг вперед в 1952 году с ее основной работой «Горы и море», для которой она наносила краски на непрозрачный холст.
Вместо того, чтобы опираться на холст, краска на этом изображении пропитывала холст — значительный подвиг в эпоху, когда авангардные художники были очарованы плоской живописью.

Совсем недавно британский художник Иэн Дэвенпорт вылил полоски красок на холсты с помощью шприцев, позволив цветам смешаться и объединиться в нижней части его абстрактных картин.

Из фильма Герхарда Рихтера Картина, фильм Коринны Белз.

Создать картину, поцарапав краску…. Да, и этот, теперь часто применимый метод родился не сегодня. Он больше всего связан с голландским абстрактным экспрессионистом Виллемом де Кунином, добившегося мощного визуального эффекта с помощью палитры и современного немецкого художника Герхарда Рихтера, который часто использовал ракель. «С помощью кисти вы управляете, — объяснил Рихтер. «Краска идет по щетке, и вы делаете мазок . С ракелем вы теряете контроль».

Как и в картине Поллока, тайна техники Рихтера вдохновила режиссера Коринну Белз. Для своего документального фильма о Герхарде Рихтере (2011) Белз провела три года в студии Рихтера, захватив художника. Рихтер тянет, мажет и царапает слои влажной краски, оставляя следы своих движений по поверхности.

Ив Клейн, «Антропометрия искусства», «Галерея современного искусства», Париж, 9 марта 1960 года. Фотография Чарльза Уилпа.

Французский художник Ив Клейн создал свои картины «Антропометрия» перед аудиторией. Впервые в «Galerie Internationale d’Contemporain» в Париже в 1960 году выступления Кляйна (в настоящее время многие считают возмутительно сексистскими) показывают обнаженные женские модели, которые художник назвал «человеческими кистями», они прогуливались в с запатентованном Интернационале.

Затем женщины приступили к созданию отпечатков своих тел на гигантских бумажках, которые были расположены на стенах и на полу галереи. За ними Клейн усадил оркестр из 10 инструментов, играющего симфонию монотонной тишины с одной записью, написанную самим художником. Спектакль длился 20 минут, а затем 20 минут молчания.

Ив Клейн, «Антропометрия искусства», голубой период

Келли Феррис, квартет 2015

«Чтобы избежать живописного мазания и поверхности, я использую некоторые довольно хитрые средства, такие как лезвия бритвы, электрические дрели и аэрографы», — объяснил художник Чак Клос в 1970 году.
Первоначально использую инструмент для ретуширования фотографий, потом аэрографы — сжатый воздух для распыления краски на поверхность, создает плавные градации, которые напоминают фотографии.

Он выбрал эту технику, чтобы изобразить своего друга и художника-живописца Марка Гринволда в крупномасштабном фотореалистическом портрете (1978-9). Для изображения Close применил четыре основных цвета, используемых в цветной печати: голубой, пурпурный, желтый и черный, чтобы воссоздать процесс фотомеханического воспроизведения, используя аэрограф, чтобы тщательно контролировать распределение слоев.

Chuck Close, пожалуй, самый известный художник, использующий аэрограф, но сегодня многие художники также используют технологию аэрографа.

Джейсон Брукс. Кейт 2013

Поллок, Франкенталер, Клейн и Клоуз, возможно, создали картины без кисти, но поп-художник Дэвид Хокни рисует картины даже без краски. Используя свой iPad, стилус и приложение Brushes, Хокни создает яркие пейзажи. «Люди из деревни поднимаются и дразнят меня: «Мы слышим, что вы начали рисовать по телефону », — писал Хокни в каталоге для музея Юнг.

Калифорнийский мультимедийный художник Петра Кортрайт также создает на компьютере картины с цифровым управлением. Она разбивает сотни найденных изображений с помощью Photoshop, часто проводя до 12 часов перед экраном.

Если Сикейрос искал современные техники живописи для индустриальной эпохи, то Хокни и Кортрайт обновили среду цифровой эпохи. Убирая холст, кисть и даже самую краску, художники продолжают изобретать новые методы, которые расширяют наши традиционные представления о том, что нужно предпринять, чтобы сделать картину.

Как я вдруг стала художником, картины которого покупают

Кто вселил в меня убеждение, что любые способности можно раскрыть, было бы только желание? Никто, я с этим родилась!

Еще у меня с самого рождения была вера в то, все должно быть легко и быстро.

Как началось мое увлечение рисованием? Когда увидела рисунки дочери в ее неполные четыре года, которые она принесла из детской студии. Меня переполняло удивление, восхищение и мысль: если четырехлетний ребенок может написать такой шедевр, почему я не могу?!

Для меня это было смелое заявление. В детстве я не увлекалась рисованием, художественную школу или кружки не посещала.

Я записалась в художественную студию.

Первый опыт написания картины сопровождался состоянием ужаса, которое преподаватели живописи называют «страхом белого полотна».

Я начала свой путь в живописи по классической схеме борьбы со страхами! Легко, сразу, идеально с первой картины – это оказался не мой путь, как и у большинства художников.

Сказать, что было страшно писать первую картину – даже на дюйм не передает ощущений, которые я проживала. Страх испортить полотно, страх, что не получится, что нет способностей, нет таланта. В момент творения внутри оживают все страхи, которые не очень хочется осознавать в реальной жизни: «Куда я вообще полезла? Какая живопись? Я в детстве кроме солнышка и елочки ничего нарисовать не могла!».

Каждая Леди должна знать:  Как почистить утюг от накипи внутри и снаружи в домашних условиях филипс, браун, тефаль, борк, бош

Процитировать в Твиттере

На момент начала моего опыта с живописью, я имела десятилетний опыт тренерской работы, дополнительные образования по эриксоновскому гипнозу, семинары западных мастеров по работе с энергией, развитию интуиции.

В первый год занятий мне пришла мысль: «Почему бы не написать картину на заказ? Как опыт, эксперимент, возможность монетизировать свои новые умения?».

Было очень интересно соединить радость творения и возможность расширить уровень дохода.

Идея картин на заказ была очень необычной. Справлюсь ли я? С другой стороны, я умею интуитивно считывать по фото психологический портрет человека. И в картине с помощью цвета, символов могу передать его состояние и энергию. Так картина стала бы не просто украшением интерьера, а инструментом для медитации, возможностью получать интуитивные ответы на вопросы.

Идея мне нравилась, но найдутся ли заказчики и желающие для такого нестандартного предложения?

Первое объявление я сделала среди своих подписчиков, второе было уже платным и размещалось на специализированном ресурсе. После нескольких объявлений мне заказали две картины. Это был очень интересный, новый для меня и безумно сложный опыт.

«Энергия творения», 50 х 50, акрил

Нашлись два заказчика – написала две картины, отправила в разные страны. У меня приобрели еще несколько готовых работ, фото которых я размещала на своем сайте.

Я решила, что быть художником – это не для меня. Каждую картину писала очень медленно, с каждой проживала какую-то экзистенциальную внутреннюю травму творения.

«Просто буду писать для себя!» – решила я и успокоилась на несколько лет, продолжая путешествовать по странам и галереям, чтобы вкусить красоту и энергию картин в оригинале.

Моя дочь занимала первые места в международных конкурсах детского рисунка, ее работа, как представителя России, полетела на международный конкурс в Японию, соревноваться с победителями других стран, а я продолжала проживать свой экзистенциальный кризис творчества.

Каждая картина была для меня полем битвы. Однако бросить все это было еще страшнее. Не писать я просто не могла. Я не привыкла отступать от своих задач: слишком уж много вложила в свою мечту – времени, эмоций, вдохновения, денег на обучение, чтобы бросить живопись.

После этого мне пришла идеи писать картины под определенные внутренние задачи. Каждый символ, элемент картины был напоминанием о цели, над которой я работаю.

Год проходил у меня под девизом «Бомбическая реализация». Хотелось новых ярких возможностей, расширения финансов, взрыва эмоций. Написала картину «Древо бомбической реализации».

Каждый раз, когда внутренний огонь угасал, не хотелось ничего делать, я садилась напротив этой картины, настраивалась на цвет, заложенное в ней послание, и говорила себе: «Лена, ты хотела бомбической реализации? Так иди и делай!»

В результате я посетила более десяти новых стран, несколько раз повышала планку доходов в течении года, а главное – создала курс на тему энергетического омоложения и провела более десяти тренингов.

Картина «Древо бомбической реализации» будто стала для меня помогающим талисманом, символом концентрации энергии на задаче года.

«Древо бомбической реализации», 40 х 50, акрил, смешанная техника

Ситуация кардинально поменялась, когда пришло личное сообщение в Фейсбук от одной из моих клиенток: «Елена, я сейчас запись вашего вебинара слушаю! Оказывается, ваши картины можно купить?! Я полгода мечтаю о вашей картине «Древо Жизни». Она размещена на экране моего монитора, даже фотографию в телефоне сохранила. Хочу, чтобы картина жила в моем доме!».

«Древо жизни», 40 х 50, акрил, смешанная техника


После этого события эффект стал нарастать.

Я начала продавать картины, которые у меня были написаны до этого времени. Кульминацией событий года стало приобретение коллекции моих картин в Америку. За несколько месяцев я продала все, которые у меня были, оставив себе всего несколько полотен.

Как находились будущие владельцы картин? Я размещала фото картин на страничке в соцсети. Читатели писали, что чувствуют, когда видят картину, чем она их притягивает. И покупали!

Многие клиенты моих семинаров, когда я размещала фото картин на слайдах к занятиям, высказывали желание приобрести полотно.

Я поняла, что картины приносят дополнительный доход, сделала электронный буклет с фото и описанием, желающие могли получить его в подарок. И снова покупали картины.

В процессе «художественного» пути длинною в восемь лет, я сделала вывод о жизненных стратегиях, которые можно применить ко всем отраслям жизни.

Особенно, когда начинаешь новое дело или изучаешь новый предмет деятельности:

Не нужно бросать дело или увлечение, даже если не получается так, как хочешь. Главный критерий продолжать – чувство, что нравится, что получаешь драйв и энергию, что наполняешься радостью от того, что делаешь!

Креативность – навык 21 века. Не получается с первого раза монетизировать свои увлечения или продвигать свое дело, можно придумать нестандартные предложения. Не обязательно что–то гениальное. Это может быть, к примеру, новая идея, которую раньше не использовали.

Я не только придумывала идеи для картин, но и продвигала свой бизнес в области обучения. Не востребована картина, не идут люди на семинар – не нужно отказываться от темы семинара или думать, что картина плохая. Нужно придумать, как сделать предмет востребованным.

Например, большой и дорогой курс обучения, который было сложно продвигать, я делила на части. Люди не готовы сразу платить крупную сумму, а проходить обучение и оплачивать блоками – согласны!

Понимать ценность своего труда, своего творчества. Я сразу сказала себе, что дешево картины продавать не буду. Обязательно буду думать, как найти покупателей, готовых заплатить ту сумму, в которую я сама оценивала картину. Не зря же один из способов, который применяют в продажах – не снизить стоимость, а повысить!

Коллега продавал дом, на который не находилось покупателей: смотрели, нравилось – не покупали! Повысил стоимость в полтора раза – через две недели дом был продан.

Совет тем, кто хочет бросить себе вызов и заняться живописью: на Ютубе есть огромный выбор уроков для начинающих. Выбирайте, с чего вам будет интересно начать: рисунки карандашом, акварелью, маркерами. Кто готов погрузиться сразу – рекомендую записаться на мастер-класс или нанять преподавателя.

Посетить лекции по истории искусства, творчеству любимого художника.

Художественный музеи – источник вдохновения: рассматривать мазки, композицию, почувствовать, что художник хотел передать в картине. Особенно интересно после посещения лекции или изучения книги.

P. S. Сейчас я готовлю картины к своей первой персональной выставке, которую назову «Энергия творения».

Получить электронный буклет моих картин можно здесь.

Школа творчества YadoArt

1. Рисуй исключительно на бумаге в клеточку! А то ты можешь потеряться, ненароком, на таком просторном, одиноком белом листе без ориентиров и направляющих.

2. И вообще, чем хуже бумага, и меньше набросков, тем лучше – экономь свои деньги! Тем более, деньги родителей.

3. Начинай рисовать кого-то исключительно с глаз… нет, с одного глаза! И оттуда уже веди линию. Или, в крайнем случае, с переднего копыта/ иной конечности… Начинаем бодро с деталей, а заканчиваем формой – построение и рисование массы – опасная ересь. Она может заставить тебя, страшно сказать, думать объёмами. И вообще, думать.

4. Никогда не рисуй эскизов на отдельных листах – а то ты, не дай Б-г, устанешь, и тебе будет лениво покрасить работу. Вполне хватит листа самой работы… Ничего, дыры от ластика можно выдать за элементы экспрессионизма.

5. Вообще, надо стараться завершить работу в тот же день, который начал. Подумай, какой повод для гордости ты получишь, заявив какому-нибудь профессиональному художнику: «Тормоз! Вот то, что ты рисуешь три месяца, я способен сделать за три часа!» Главное, не прикладывать к заявлению образец своего искусства.

6. Нет, ни за что не рисуй с натуры! Она скучна, непостоянна и ветрена – а некоторые организмы в составе этой натуры вообще имеют наглость шевелиться и перемещаться… Накачай себе фоток из Интернета, и все дела.

7. Эксперименты – опасные животные, от которых стоит держаться подальше. Не важно, эксперименты ли с техникой, стилем, размером, цветом – это всё не для тебя. Как оно калякается, так пусть всегда и будет.

8. Тебе точно не нужно знать, где у человека и зверя находятся кости, как к ним крепятся мускулы – ты что, врач? Всем не понявшим этого, объясняй, что это ты «так видишь» — обтекаемая фраза, оправдывающая любой перелом конечности со смещением и прочие травмы персонажей.

9. Если тебя критикует кто-то – говори себе, что этот кто-то просто не понимает в искусстве, даже, если он искусствовед. Если же тебя критикует художник – значит, он тебе наверняка завидует – посмотрите, этот бесталанный учился в художке, в институте – а так и не вышел на твой ослепительный уровень – во «В контакте» у тебя друзей больше, чем у него. Значит, ты и рисуешь лучше – людей же не обманешь!

10. Не рисуй фонов! Никогда. Всё равно ведь не умеешь, так чего пытаться?

11. Каждый свой набросок, любую картинку-пятимянутку стоит немедленно выложить в Интернет, чтобы осчастливить этим щедрым деянием всё прогрессивное человечество – наверняка в художественных Интернет-галереях слишком много свободного места, ждущего именно твои рисунки – все, до последнего. И вообще, бери количеством, а не качеством.

12. А также – любой учебный рисунок, будь то натюрморт с пирамидкой и шаром из гипса, десятком носов, срисованных из книги с упражнениям – ты непременно должен поделиться ими! Мало ли, что это никому не интересно… Зато все будут знать, какой ты молодец – наконец-то взялся за учёбу.

13. Трава зелёная. Ярко, ядовито-зелёная. И не имеет других оттенков. У деревьев коричневый ствол… А тени мажут чёрным цветом . Это знает каждый ребёнок, так почему бы не послать всякое там цветоведение подальше?

14. Что гуашь, что акварель – рисуй ей одинаково. Вот ещё, изощряться и учить разные техники… Ведь и то, и другое – краска, верно? Так что смело размазывай по бумаге акварель в гуашевой консистенции.

15. Композиция – от лукавого! Ты только прислушайся, как подозрительно звучит само слово, бррр! И от неё сплошная морока… Почему бы снова не использовать тут объяснение «я так вижу»?

Каждая Леди должна знать:  Сонник – «Пешая прогулка»

16. Запомни, ты плохо рисуешь, потому, что тебе не купили хороший планшет. Без дорогих инструментов, электроники, ты не сможешь совершенствоваться! Вот будет планшет, и будут шедевры. Что, традишн? Не говорите глупости, это явно не для вас – там нет кнопки «отметить».

17. Руки, ноги, глаза – это такая морока… Так к чему их рисовать? Спрятать руки в карманы, ноги с траву, а второй глаз под чёлкой – и все дела!

18. Сразу, как начнёшь рисовать, и выползешь в Интернет, открывай коммишны. Кто-то говорит, что ты рисуешь плохо, и даже, местами кривовато, так что стыдно брать за такое деньги? Так пусть смотрит пункт 8. И вообще, путь все эти завистливые профессионалы не вякают – у вас у всех такой флешмоб, и точка!

19. Рисовать каждый день? Рисовать больше трёх часов в день? Тебе это не нужно, у тебя есть талант. А мнение других в расчет не принимай.

20. Лучший путь научиться нарисовать – исключительно срисовывать работы других художников! А ещё лучше единственного, который тебе приглянулся на сайте Девиант Арт. Один в один. В том же стиле. Про то, как вредна натура, ты уже знаешь… Так что пусть не нудят про плагиат, тупиковые пути, отсутствие фантазии, и прочее – дремучие люди, отставшие от прогресса, что с них взять.

21. Сканируют только фраеры и выпендрёжники! Тебе же достаточно выложить в галерею фотку с телефона – дёшево и сердито.

22. Тебе не обязательно знать разницу между анатомией, техникой, и стилем. Сломанные конечности – вот твой стиль! И всякому, кто сделает тебе замечание по анатомии, или чему-нибудь в этом роде, отвечай, что это из-за твоего стиля, в котором этот критик не понимает… Развелось, понимаешь, любителей реализма… (Нет, читать про то, что такое реализм, при этом вовсе не требуется).

23. Требуй со всех знакомых художников туториалы, которые бы точно научили тебя рисовать за один день. А ещё лучше, за один час. Главное, по-быстрому. И без всяких хлопот. То что, все художники говорят, что не существует в природе таких туториалов, приспособлений и прочих волшебных палочек – а лишь тяжёлый упорный труд – это, наверняка, такой общемировой заговор, направленный лично против тебя. И не забывай про пункт 8!

24. Ты нанял себе частного репетитора, а он имеет наглость давать тебе домашнее задание? По рисованию?! Где такое видано, уволить учителя немедленно, и найти такого, который не будет тебя шпынять, критиковать, и заставлять работать!

25. Освоив одну технику, уже можно не учить другую – меньше мороки. Вон, у многих художников одна техника так и остаётся ведущей и любимой… А чем ты хуже – у тебя будет тоже! Единственная техника. А то зачем она нужна, эта второстепенность…

26. Надо показывать свои наброски и рисунки максимально возможному количеству художников, и спрашивать: «ну, как у меня выходит»? Это позволит тебе быстро дифференцировать их на «плохих художников, и «хороших» Хорошие художники отреагируют так: «крууть, ты клёвый, мне б так рисовать! (много восклицательных знаков). С ними обязательно надо дружить. Плохие художники помнутся, и будут что-то бормотать про то, что ты можешь и лучше. Иногда с ними тоже можно общаться – они просто стеснительны, и ошеломлены твоим великолепием. Постарайся, всё-таки, напроситься на комплимент. А очень плохие художники будут говорить, что у тебя что-то не то с анатомией, с композицией, с перспективой… и как это поправить, будут советовать тебе что-то переделать, говорить о смысле, уверенности штриха и прочей мути… На таких надо жаловаться, кричать на них (вместе с хорошими художниками). Можно даже банить, но так скучнее, чем жаловаться.

27. Как только ты станешь рисовать немного лучше, «левел-апнешься» пару раз — тут и настанет пора почивать на лаврах. Больше ничему учиться тебе не нужно.

28. Если, скрупулезно следуя этим советам, ты так и не стал художником – впоследствии ты сможешь говорить всем художникам, попадающимся на твоём жизненном пути: «Я тоже рисовал раньше / в молодости и я был художником/ я тоже художник в душе»! И наслаждаться тем, как художественно будут кривиться лица ваших собеседников.

Роспись на камнях или ожившие камушки

Камень был, наверное, первым предметом, который человек взял в руки осознанно. Использовать его как основу для творчества люди стали тоже очень давно. Роспись на камнях и сегодня очень популярна, например, в восточных странах.

Хорошим тоном считается подарить близкому другу на день рождения камень, украшенный авторским рисунком. К тому же камни, как и все, что окружает человека, обладают собственной энергетикой. Не зря каждому знаку Зодиака соответствует свой камень, оберегающий от неприятностей.

Но здесь речь идет об обычной гальке, лежащей на земле. Не каждый камень может стать основой для картины. Есть камни слишком пористые, забирающие в себя всю краску, есть мало обкатанные камешки с острыми краями. Поэтому для творчества надо подбирать гладкие камни с плотной фактурой.

Советы для начинающих художников

Автор данной росписи на камнях — итальянская художница Ernestina Gallina

  1. Поскольку материал для работы в буквальном смысле слова валялся под ногами, перед началом процесса отобранные камни следует хорошенько вымыть и высушить.
  2. Поле для творчества совсем миниатюрное, поэтому краску на палитру следует наливать совсем по чуть-чуть.
  3. Краски из акрила сохнут очень быстро, превращая кисть в жесткий скребок, поэтому во время рисования кисточка должна постоянно возвращаться в стакан с водой. По этой же причине при смене цвета кисть следует тщательно промывать и просушивать салфетками или бумажным полотенцем.
  4. Рисование на камне — процесс достаточно специфический. Во избежание неприятных сюрпризов, связанных с попаданием краски на одежду, роспись камней своими руками лучше производить в старой футболке и джинсах, либо надеть большой фартук, закрывающий собой все. Даже маленькая капля краски, высохшая на брюках, сразу же испортит вещь. Можно, конечно, попытаться оттереть ее в свежем виде, вооружившись старой зубной щеткой, но лучше исключить само появление.
  5. То же самое касается и всего рабочего места. Верный помощник в защите поверхности стола от встреч с краской и водой — это старая газета.
  6. Зато просто исправить допущенную ошибку — краска легко стирается с поверхности камня при необходимости, либо закрашивается другим цветом после высыхания.

Материалы, необходимые при росписи

Краски

Это может быть акварельный набор, баночки с гуашью или тюбики с акриловой краской.

Каждый художник работает в той манере, которая ему нравится, хотя роспись по камням для начинающих дает возможность попробовать свои силы во всех видах. Опытные мастера предпочитают иметь дело все-таки с красками из акрила. Вся палитра ярких цветов великолепно ложится даже на негрунтованную поверхность. А если использовать акриловые краски типа «металлик», то картинки приобретут приятный мягкий блеск.

Более яркими и блестящими камешки могут стать и после росписи красками, предназначенными для фарфора или керамики. Закрепить их можно, положив расписанные камни в обыкновенную духовку для обжига. Но и без этой процедуры картинки приобретают красивый вид.

Контуры, фломастеры, карандаши

В дополнение к краскам сегодня существует большое количество средств в виде контуров и фломастеров, обеспечивающих украшение росписи дополнительными штрихами и деталями.

Цветы нанесены объемным контуром

Мало кто может изобразить свои замыслы без подготовки. Даже опытные художники сначала рисуют эскиз изображения. Для этого разработаны специальные эскизные карандаши для темных и светлых камней, соответственно белого и черного цветов.

Кисти

Роспись на камне невозможна без наличия различного вида кистей — от самых больших, для окрашивания фона, до миниатюрных, способных оставить на поверхности тончайшие штрихи. Набор кистей можно приобрести в соответствующем магазине.

Созданную миниатюру требуется защитить, чтобы любоваться ею можно было долгие годы. Для этого камень покрывают лаком. В качестве наглядного примера — роспись на камнях под названием «Хозяин леса» Леонарда Попова:

Камень, покрытый лаком, имеет характерный красивый блеск

Процесс росписи камней

Сначала решается вопрос с грунтовкой — наносить ее или нет.

Затем определяется сюжет рисунка. Подскажет его автору не только воображение, но и форма, цвет, фактура используемой гальки.

Перед работой камни тщательно промываются и высушиваются.

На загрунтованную поверхность (если было принято такое решение) наносится фон рисунка.

Эскизным карандашом прорисовываются будущие контуры сюжета.

При заполнении фрагментов краской возможны варианты — сначала прорисовать контур кисточкой, а потом заполнить рисунок краской. Или же нарисовать всю картинку в цвете, а потом тонкой кисточкой выделить контур.

Рука может дрогнуть и у профессионального художника. Поправить неровную линию или стереть лишнее пятно поможет любой растворитель.

Последним этапом при создании каменного шедевра является лакирование всей поверхности расписанного камня. Только в этом случае изображение сохранится во всей своей красе, даже если предназначалась роспись камней для сада, а не в подарок.

Правда, если рисунок занимает лишь часть гальки, то можно сохранить ее природный внешний вид, отлакировав лишь окрашенную область внутри контура.

После окончания работы сфера применения раскрашенной гальки разнообразна. Она может стать замечательным подарком для близких друзей. Стеклянный кувшин, наполненный разноцветными камушками, украсит дизайн интерьера. Приклеенные к гальке магнитики позволят создать уникальную композицию на дверце холодильника. В общем, нет ограничения полету творческой мысли.

Мастер-класс по росписи камней для начинающих

Для закрепления творческих уроков предлагается оригинальная роспись по камню, мастер класс поможет справиться с ней без особого труда.

Для создания веселой семейки потребуются камни определенной формы и размера. Основанием композиции послужит большой плоский голыш. В роли глазастых птенчиков выступят удлиненные тонкие камушки.

Все каменные «палочки» аккуратно наклеиваются вертикально на плоское основание с помощью любого влагостойкого клея.

На верхних концах столбиков с помощью влагостойкой краски рисуются по две белых больших точки.

На эти белые кругляши наносятся точки поменьше черного цвета.

И вот уже из зеленой травы на вас таращат свои глазенки не то птенчики, не то гномики. Композиция готова украсить собой любые зеленые насаждения, хоть на подоконнике, хоть в саду на даче. И никакого дополнительного ухода!

Другие поделки из камней

Если пофантазировать ещё больше, то помимо росписи к камням можно добавить объёмных деталей, например, из картона. Тогда поделки получатся в формате 3D))

А здесь пример того, как камни, расписанные под сов, превращаются в оригинальные кулоны — авторская работа Анны Мутиной: